All Chopin Programme
Funeral March in C Minor
Contredanse in G Flat Major
Cantabile in B Flat Major
Souvenir de Paganini in A Major
Nocturne in C Sharp Minor, 1830
Four Mazurkas, Op. 17
Six Etudes from Op. 10Barcarolle in F Sharp Major, Op.59
Three Mazurkas, Op. 59
Two Nocturnes, Op. 62
Polonaise Fantasie, Op. 61Berceuse, Op. 57
Mazurka in F Minor, Op. 68/4
对于傅老的音乐会，我翘首以待了一个月，怎知当天身体不舒服，但仍然忍着奔去了中环大会堂。傅聪1934年生，如今已经76高龄，走过舞台的姿态和波利尼颇为类似，身体前倾，上身驼着，让头更是向前，远远看上去很是瘦小，黑色的褂子，油亮的头发，仿佛是个上了年纪的学究走上台，貌不惊人，却从容自然。
上半场的前几首我想恐怕没有几个人听过录音，更不要说现场了，我也只是弹船歌的时候发现了那首葬礼进行曲，随便玩了两次。听音乐会的心境大约有三种，意料之中，出乎意料和措手不及。意料之中是说从曲子到表演者的诠释手法都是烂熟于新，毫无惊喜可言；出乎意料自是说表演者的处理令人惊叹。而最后一种就是完全连曲子都没有听说过，那便是单纯的公平的音乐欣赏了。我想用葬礼进行曲开始几首遗作的表演，也应该是扣了纪念萧邦的主题。葬礼进行曲弹得非常好，如今古典音乐的录音多得让人都不知道怎么自己理解了，而真正人和人的风格就区别在这里。我想傅聪的强项应该就在乐曲的把握和音色的变幻。后面几首旋律优美，而到夜曲的时候我觉得身上的不舒服已经完全好了。
那首夜曲遗作弹得非常动人，音色饱满，感情强烈，非常钦佩傅聪的音色，浑厚而立体，旋律也都抻得恰到好处。有很多人录的夜曲都不包括这首，我觉得很可惜。玛祖卡永远是音乐会中的出乎意料，曾经有段时间整天听各位大家弹的玛祖卡，当然也包括傅聪本人年轻时的录音，但每次在现场都有似曾相识却不尽相同的感觉。即使傅聪是我听得第一个版本，但仍然他的演奏和录音大相径庭，这便生出一种趣味来，你知道旋律的走向，却不知道某个音他会弹多久，什么时候弹，胃口就这样吊着，吊得心甘情愿。六首练习曲，从第六首开始到第十二首革命，除去第八首。练习曲弹得并不快，磕磕绊绊的地方也不少，这反而引起我中场休息时很多思考。
就拿革命来说，我想音乐会现场就绝对有观众可以弹得比傅聪更快更流畅，况且傅老的音乐会曲目自然是自己选，那弹练习曲的目的到底是什么呢。我想以古稀之龄敢表演练习曲本来就是一种勇气，而傅聪弹得极为负责，他并不一味讲究速度，只是尽力把每个音弹好，反观有些年轻的钢琴家，只要速度不要精确，就那样囫囵吞枣一通，观众听着爽，可对作品和作曲家毫无尊敬可言。而且，练习曲到底要弹到多快呢？记得萧邦书信中有一段，说他无法思考因为李斯特正在弹他的练习曲，他说那是他从没有想象过的演奏。那时候没有录音，我们永远也不会知道萧邦怎样弹，李斯特怎样弹，但我们都知道李斯特炫技一流，那根据萧邦的话语，他本人想象的练习曲应该并没有那么炫目。再大胆地推论，如今人们技巧越来越强，是不是也已经远远偏离了萧邦的心思呢？
那么如今的年轻人炫技到底为了什么？为了古典音乐的生存么？一个年轻的钢琴家倘若要上台弹革命，那么他会想底下很多观众也会弹，更何况大多数人都搞不懂音色啊，理解啊是怎么回事，那么他要想让观众佩服他，他就要弹得快，比观众能弹的快，比观众听过的快，这样观众赞叹一声“好快”便心满意足，而他的目的也达到了。记得拉丁舞舞王Donnie Burns曾经在讲习时说，只有跳得不好的体育舞蹈才是体育。我想这话可以用在如今的古典乐坛，只有弹得不够美的表演家才是技术派。这么想来，在台上以再平常不过的速度弹出一场声势浩大却仔细的革命，需要一种怎样的荣辱不惊，恐怕也只有从容的老人们可以做到了。
如果说上半场还有一丝怀疑，下半场就是彻底的景仰。那首船歌弹得美丽极了。到现在为止我听的录音，包括我自己弹的时候，都力求身临其境在一场威尼斯的水上盛宴之中，觥筹交错，舞步轻盈。但傅聪的船歌却是温暖而美好的回忆，就像《追忆似水年华》里普鲁斯特念念不忘的小玛德兰点心，不慌不忙地在意大利的记忆中徜徉。玛祖卡自然不必说，继续吊着胃口，但我忽然想象自己弹琴是否能够这样晃悠一下，却怎么想都觉得滑稽。可能差距就在于，我没有那种可以深刻理解作品的自信，所以就会底气不足，想慢也慢不下来，因为慢意味着更挑剔更细微的审视。让我更加赞叹的是E大调夜曲，从40小节开始音色交织得密密麻麻，排山倒海一般涌来，让我觉得任何书面语言在这般立体的色彩面前都变得苍白，相比之下，大多数其他人表演的夜曲都显得单薄起来，变成一个纸美人。我不禁想到《傅雷家书》里父子二人的对话，恐怕因为傅雷先生对音色的重视才有了傅聪对音色出色的控制。至于最后的幻想波兰舞曲，倒是个意料之外。我听这首曲子很多次了，现场也有很多次，但这是第一次我觉得她非常好听，这大概跟傅聪的速度有很大关系。从中场休息的思考继续说，乐曲要走进人内心是需要一种共振的，总要与某种生命的频率呼应，或许是呼吸的频率，或许是心跳的频率。如今人弹琴越来越快，可呼吸和心跳也不至于比一百年前快很多，这也许是为什么很多表演像走马灯一样耳朵里跑个过场就没了，而傅聪慢斯条理的叙说却可以渗入人心。
其实傅聪在弹船歌到80小节的时候，我就在想他弹摇篮曲一定很好听，而在加演的时候老人真的弹了摇篮曲，前奏响起的时候我激动得热泪盈眶，然后就在这种高昂的情绪下听到了最完美的一首摇篮曲。变幻莫测的音色带来了极富歌唱性的表达，美得让人屏气凝神，生怕坏了一场迷离的美梦。我想很长一段时间里我都会对这首摇篮曲喟叹不已。曾经看过一篇报道，说傅聪是天赋不够却异常努力的钢琴家，他确实异常努力，但说他天赋不够的人真应该来听听他的摇篮曲，他的船歌，他的夜曲。
随着这场音乐会的落幕，我想这美好的一年也算过去了。而有多少Virtuoso最终可以变成Maestro？还是Maestro的时代也已经快消逝了呢？
这篇写得好！